SIMON

CUENTOS

2011-12-14T11:40:00.014+01:00

Esta exposición colectiva se presenta como una interpretación libre y posiblemente fantástica de aquellos cuentos que nos acompañaron a lo largo de nuestras vidas. Ocurría en la infancia que ciertos mundos ficticios nos resultaban extremadamente reales para ser fingidos. En nuestras fantasías se instituían reinos complejos con tramas intrigantes y personajes misteriosos que nunca empezaban ni terminaban de ser y existir.

ARTISTAS PARTICIPANTES:

Ángeles Agrela, Simón Arrebola, Horacio Hermoso, Pepe López, Marisa Mancilla, Manolo Moreno, Felipe Ortega-Regalado, Jesús Zurita.

EL AYER ES NUNCA JAMÁS
41 X 50 cm
Óleo sobre lienzo

LA HIJA DEL AIRE
41 X 50 cm
Óleo sobre lienzo

Who's afraid of red, yellow and blue?

2011-09-29T13:34:00.004+02:00

Exposición del Taller de Creación

La nueva sala de Fundación Aparejadores situada en la planta sótano del Colegio, acoge esta exposición resultado del Taller que todos los veranos desde hace ya 14 años imparte el artista Juan F. Lacomba en las instalaciones del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y que organiza nuestra Fundación.

En esta ocasión nos ofrecen los 32 participantes su visión del contenido del Taller, que ha estado dedicado a la utilización del color en el arte más reciente, con un acercamiento efectivo, analítico y experimental a las causas y efectos del color.

La exposición se inaugura el jueves 29 de septiembre a las 20:00 h. y el horario de visita es de lunes a viernes de 10 a 13 y de 17 a 20 horas.

Los artistas participantes en esta edición son:

Álvarez García, Manuel
Arrebola Parras, Simón
Barriga Oliva, Ana
Bastante Recuerda, Miguel
Benavides Caballero, Álvaro
Bersabé Ruiz, Virginia
Campos Sánchez, Serafín
Cano Guzmán, Rocío
Carrasco Llobell, María Luisa
Cecilia Pérez, Ildefonso
García Suárez, María Dolores
Gómez Villasante, Dolores
González, Marise
González Castro, Ana María
H. del Amo, Ana
Herrera Piñero, Virginia
Iglesia Real, Tomás
Infiesta Acevedo, Francisco
Izquierdo García, Mª Angeles
Lara-Barranco, Paco
Lobo Peña, Mª Dolores
Losada López, Manuel
Mancera Martínez, Manuel Fernando
Martínez Conradi, Pablo
Melo Montero, Antonio M.
O´Neill Gaytan de Ayala, Ángela Amaya
Ortega Regalado, Felipe
Ortiz Marzo, Oscar
Perea Macías, Aurora
Rosell Montalbán, Daniel
Saez Pradas, Fernando
Salas Recacha, José
Sánchez Valderrabanos, Ana

4º PREMIO DE PINTURA UNIA

2011-08-05T23:39:00.005+02:00

Selección en el 4º Premio de Pintura Universidad Internacional de Andalucía

Zoohíbrido
Óleo sobre tabla
100 x 100 cm

EL BUTRÓN Me & My friends

2011-06-02T22:09:00.000+02:00

La mayoría de los artistas sevillanos han tenido que ir saliendo del centro de la ciudad en busca de estudios más asequibles, de forma que en el casco histórico apenas quedan algunos afortunados que han podido defender sus atalayas y unas cuantas galerías de arte, sector cada vez más mermado no solo en Sevilla sino en todo el país.

Como consecuencia de este éxodo forzoso, un grupo de 10 profesionales relacionados o amantes del arte contemporáneo ha tenido la feliz idea de crear una isla que sirva de encuentro a los creadores. La criatura se llama Elbutrón y se inauguró ayer con la exposición Me & my friends en la que participan 54 artistas andaluces o afincados en Andalucía. Obras de Curro González, Rogelio López Cuenca, Miki Leal, Juan del Junco, Federico Guzmán, Jesús Palomino y Alonso Gil cuelgan en las paredes de este bajo de una bocacalle de calle Sol (Butrón, 7) que antes fue almacén de ropa y trastero.

"Aquí queremos darle cabida a muchas actividades, no solo a las artes plásticas, sino también a la música, el diseño industrial, la literatura, la poesía, la arquitectura... Nos interesa la creatividad en todo, hasta en la cocina, pero todavía no sabemos cómo darle forma, de momento tenemos previsto organizar catas de vino", explicaba ayer uno de los impulsores del centro, Fran Silva, ingeniero agrícola, con el martillo en la mano para clavar el rótulo de esta nueva asociación cultural.

Elbutrón son 250 metros cuadrados diáfanos en los que sus socios fundadores -entre ellos los artistas MP & MP Rosado, la arquitecta Laura Silva y los hermanos y abogados Antonio y Luis Yáñez-Barnuevo- pretenden fomentar el encuentro entre los creadores y el público.

Me & my friends es un proyecto de Jesús Reina, crítico de arte y comisario de exposiciones quien también forma parte de Elbutrón. En la muestra, que estará abierta hasta el 10 de julio, pueden verse además obras de Ramón David Morales, Fernando Clemente, María José Gallardo, David López Panea, Mar García Ranedo y Teresa Lafita.

La muestra con la que se inaugura Elbutrón es totalmente ecléctica, el hilo conductor no es otro que la amistad que une a los artistas con comisario. Juan del Junco ha optado por la composición fotográfica Mi religión: el paisaje, "una pieza iconoclasta en la que juego con montañas de Cádiz y Málaga", aclara el artista. Teresa Lafita presenta lo que ella define como "un juego conceptual" en Bébete el tiempo; mientas que López Cuenca parece recordar a los surrealistas cadáveres exquisitos con una serigrafía formada por la cabeza de Che Guevara, el torso de Andy Warhol y el pie del primer hombre que pisó la luna.

Manifestación de ciudadanos sirios en frente de la embajada de Siria es el descriptivo título de una serie de fotografías en las que Jesús Palomino. "En el momento en el que estamos parece que hay más receptividad que hace cinco años para que una obra de arte hable de una situación real", argumenta Palomino, quien siempre ha tratado temas sociales en sus obras.

MARGOT MOLINA - Sevilla - 03/06/2011

www.elpais.com

Participan_Ramón David Morales, Cristobal Quintero, Gloria Martín, Susana Ibañez, María José Cosano, Alejandro Botubol, Ismael Lagares, Ana Barriga, Carmen Guerrero, Rafael Forcada, Matías Sánchez, Cristina Lama, Mario Marín, MP & MP Rosado, Alonso Gil, Fernando Clemente, Nicólas Haro, Ruth Morán, Manuel Antonio Dominguez, Javier Martín, Diego Luna, Eduardo D'Acosta, Miki Leal, María José Gallardo, Luca Pantina, Magdalena Bachiller, Rafael Lopez-Bosch, Publio, Manuel B. Brito, Victoria Gil, Federico Guzmán, Silvia Cosío, María García Jimenez, Vladimir Oliveira, Mar García Ranedo,Teresa Lafita, Javier Buzón, Aaron Lloyd, Juan Carlos López, Anna Jonsson, José Toro, Diego Pérez Galindo, Macarena Ruiz- Acal, Jesús Palomino, Simón Arrebola, Antonio Godoy, Curro Gonzalez, Juan del Junco, Alejandro Durán, Rogelio López Cuenca, Daniel Solomons, Daniel Silvo, Manuel León, David López Panea.

ELBUTRÓN ...

Qué? ELBUTRÓN pretende ser un punto de encuentro de los amantes del arte, el diseño y la innovación, espacio cultural libre abierto a la difusión, investigación y producción artística, llevando al usuario y al creador al mismo lugar. Instigar a la movilización cívica y a la intersección de activi- dades y áreas de conocimiento que convierten la ciudad por su concen- tración de información en algo diverso y complejo. Fotografía, ilustración, arquitectura, pintura, escultura, literatura, cine, poesía, videoarte, moda , diseño industrial, gastronomía, música, ecología....

Cómo? Un lugar espontáneo y libre, con un interés por los artistas vivos de la comunidad artística. La reflexión y el cuestionamiento es un carácter que se suma a lo lingüistico y a la referencialidad, de intervención en el ámbito socio-cultural_proyectos-exposiciones, eventos participativos, actividades educativas/divulgativas, talleres o ponencias.

Dónde? En un espacio que será "una casa particular sin puertas", 250 m2 disponibles con la flexibilidad de convertirse en galería, zona de eventos, área educativa, taller o espacio de proyección. Todo en una zona visible, donde favorecer el dialogo con los agentes culturales e históricos de la ciudad, y que seguirá inyectando de iniciativas un barrio con gran potencial de crecimiento y divulgación artística.

ELBUTRÓN : elbutron.7@gmail.com // 655 545 375 // http://elbutron-7.blogspot.com

Juegos de la Infancia
Grafito sobre papel
20 x 29 cm

CADÁVERES EXQUISITOS

2011-05-11T21:43:00.000+02:00

La exposición colectiva "Cadáveres Exquisitos" reúne en el Museo de Alcalá de Guadaíra más de cincuenta obras realizadas en grupos de cinco por 160 destacados artistas nacidos o afincados en la provincia de Sevilla, convocados por el diseñador y pintor onubense Manolo Cuervo. Con la producción de la Diputación de Sevilla y la colaboración del Ayuntamiento de Alcalá de Guadaíra, Manolo Cuervo ha ideado "Cadáveres Exquisitos" a partir de ese célebre juego infantil, al respetar algunos de sus principios como el carácter de juego y experimento, la amistad entre artistas o el concepto de obra colectiva y en marcha, según un comunicado de la institución provincial. La muestra retoma la idea del "cadáver exquisito", juego en el que cada participante escribe una o dos palabras en un papelito y, posteriormente, se reúnen para completar una frase. Los surrealistas se valieron de este procedimiento para acercarse a un concepto nuevo de belleza que aplicaron también al mundo del arte, pues en un papel plegado cada uno de los participantes dibujaba una parte que el resto no podía ver mediante el plegado adecuado del papel. Como guía para continuar el dibujo, los sucesivos participantes sólo tenían pequeñas indicaciones visibles del anterior.

Museo de Alcalá de Guadaira

El vuelo de las ideas
Grafito sobre papel
11 x 24 cm

La transfusión
Grafito sobre papel
11 x 24 cm

EL PAPEL DEL DIBUJO III - GALERÍA ÁNGELES BAÑOS - BADAJOZ

2010-12-17T13:59:00.002+01:00

El papel del dibujo III

Al igual que temporadas anteriores, la galería continúa con su decidida apuesta por el dibujo, ahondando en la creatividad e intentando transmitir la gran riqueza de interpretaciones y tratamientos que tiene este medio de expresión. Lejos de ser sólo una base en la que se asientan otras técnicas pictóricas, el dibujo es, además, una técnica en si misma, con carisma suficiente como para admitir que no hay herramientas de trabajo pre-establecidas, aunque si ser el reflejo de esa inmediatez atribuible al trazo como testimonio de la personalidad y el buen hacer del artista.

Para esta exposición se ha reunido a un nutrido grupo de artistas que hacen del dibujo uno de sus modos de expresión más representativos. Todos ellos nos trasladan su personal visión del concebir el dibujo desde un proceso de renovación formal y siempre con el soporte común “El papel del dibujo”.

Emilio Gañán, Plasencia 1971

El artista nos muestra una selección de piezas en las que sigue investigando sobre la expresividad de la línea y el plano. En esta ocasión reduce aun más su gama cromática, impera la línea negra sobre blanco, la expresividad de la línea y el plano, e insistiendo en las reglas que gobiernan la combinatoria de las formas para generar unas estructuras de singular belleza.

Jesús Zurita, Ceuta 1974

Construye sus obras como historias visuales en las que a través de la mirada nos propone narraciones con presentación, nudo y desenlace, dejando siempre abierta a la interpretación del espectador una buena parte de la obra, mediante la yuxtaposición de elementos minuciosamente descriptivos frente a otros misteriosamente herméticos. Realiza en sus pinturas composiciones muy arriesgadas de equilibrios tan complejos como frágiles. Un intenso halo de misterio envuelve a sus obras, cercanas a la categoría estética romántica de lo sublime.

Teresa Marín, Valencia 1966

Los trabajos presentados forman parte del proyecto “Diario Atópico”,s. Una crónica en clave de juego sobre algunas realidades cotidianas públicas y privadas. Un divertimento crítico conscientemente heredero de las prácticas artísticas que construyeron su lenguaje. Una reflexión libre sobre las trampas que ocultan los códigos de la representación y la ficción como instrumento para mostrar facetas de la realidad.

Todos los elementos utilizados son extraídos de la prensa diaria impresa. Los fragmentos recontextualizados sirven para generar parodias y monstruos simbólicos de temas que surgen de la lectura de la actualidad de los periódicos, de sus vivencias personales y de la asociación de estas situaciones. Esta selección ofrece una faceta perversa de la temática del juego, como manipulación o recreación interesada de la realidad, que pone de manifiesto de forma metafórica e irónica las relaciones de poder y algún que otro bajo instinto.

Roberto Mollá. Valencia 1966

Los dibujos de Roberto Mollá se caracterizan por el uso del papel milimetrado, una superficie que ha aportado objetividad y control a sus trabajos. Dibuja escenarios inspirados en la arquitectura tradicional japonesa y en el constructivismo ruso; en las ilustraciones del naturalista Haeckel y en la pintura geométrica modular de los años 60

En ese escenario, al mismo tiempo fluido y sometido a la geometría de la cuadrícula, están situados sus últimos trabajos que, recreándose en los mencionados juegos geométricos, adoptan la estrategia creativa de moverse entre mundos contrarios y tiempos diversos. De ese entorno propio e imprevisible surge su última serie, Tamatori, directamente inspirada en la leyenda de una famosa buceadora mitológica japonesa.

Alexander Mankenzie, Nueva York 1975

En el proceso de almacenamiento informático hay una acción titulada ‘snapshot que es una grabación del estado de un sistema en un momento específico en el tiempo. Este es un concepto derivado de la instantánea fotográfica, donde se pretende congelar arbitrariamente un instante de la realidad, capturar un momento, idea que deriva del bosquejo. En este sentido, se he estado tomando instantáneas de la narrativa esotérica que he ido desarrollando a lo largo de los años. Esta cosmología no es lineal y está influenciada por varias religiones, mitologías y cuentos tradicionales, creados en el contexto de una civilización occidental obsesionada por la “pantalla”.

El trabajo se presenta en varias pantallas de tamaños distintos, retro-iluminadas por electroluminescence, que emite una tenue luz sobre el espectador y entra en funcionamiento a través de un sensor de movimiento, características elegidas para imitar las tecnologías en modo standby´.

Ramón David Morales, Sevilla 1977

Relata la cultura rural; el perfecto mestizaje entre tradición y modernidad. Transitamos en esa esfera donde el agricultor relaciona todos los elementos de la naturaleza, amoldado al ritmo de la vida y su tiempo, a la extensión biológica del arte y la vida..

En su obra el paisaje es símbolo, límite y concepto pleno de referencias universales y personales. Es también un cúmulo de ficciones, analogías, metáforas, trampas y declaraciones. Su proceso creativo parte del dibujo, no como boceto, sino como idea para una serie conceptual y abierta. Todo con el objetivo de transmitir ideas y sensaciones planteadas desde una identidad que reflexiona sobre el habitar contemporáneo.

Elena Alonso Madrid, 1981

Trabaja con lo que Le resulta familiar y cercano, tanto en el aspecto material y estético de las obras como en el proceso de realización, que atiende al interés por las relaciones de proximidad y el gusto por la elaboración manual y lo rudimentario. Procura generar espacios de indeterminación como alteradores de la estandarización del deseo y la homogeneización de los modos de vida, tratando de buscar y propiciar formas propias de interiorización y transformación de lo que nos es dado.

En este sentido el papel del dibujo es central en su obra, como herramienta de pensamiento, como práctica artesanal y como resultado que invita a pensar y crear lugares singulares.

Jorge Pineda, Rep. Dominicana, 1966

Artista dominicano polifacético, que se distingue ante todo por su preferencia por el dibujo que ejerce con destreza, finura y originalidad.

La figuración y la representación gráfica de este creador provocan una atracción en el vidente porque sus personajes, al igual que su bestiario, se mueven entre los mitos y leyendas de su tierra de origen. Las figuras humanas ejercen en su obra una presencia constante, tanto en los dibujos como en los grabados, con una indefinición temporal. utiliza el espacio con criterios de dramaturgo,

es una reserva poética de factura dramática lorquiana, expresa y manifiesta un gran complicidad con el mundo femenino. En la mayoría de sus trabajos, elabora la obra a partir de un objeto real sacado de la tradición o de la cotidianidad popular dominicana.

Simón Arrebola, Jaén, 1979

Más que cuadros lo que trato de hacer son escenificaciones, donde la memoria es uno de los principales componentes. Son realidades íntimas teatralizadas. La geometría sirve para ordenar lo que pretendo decir y configurar un espacio en el que habitan paradojas visuales y arquitecturas imposibles, donde tienen lugar una confluencia de personas y objetos que proceden del álbum familiar, del imaginario onírico de los sueños o del cine. Tratando de que este discursos personal encuentre conexiones con el espectador que observa estos recorridos que tratan de llegar a su propia memoria.

Badajoz, diciembre de 2010 – Enero de 2011

Con la colaboración de las galerías:

“Aural”, “Raquel Ponce”, “Nuble” y “Sandunga”

Mueblería

Grafito sobre papel

38 x 56 cm

ABC CULTURA - "EN GENERACIÓN HAY UN AUGE DE LA PINTURA FIGURATIVA "

2010-11-07T16:35:00.004+01:00

Simón Arrebola expone «El cuarto de las maravillas» en la galería Isabel Ignacio

Simón Arrebola ante sus creaciones en Isabel Ignacio.
Fotografía de Jesús Spínola

«El cuarto de las maravillas» es el título con el que Simón Arrebola presenta sus últimas creaciones pictóricas en la galería Isabel Ignacio.

Rememorando aquellos cuartos donde los hombres del Renacimiento coleccionaban objetos extraños o de la naturaleza, Arrebola (Torredelcampo. Jaén. 1979), llena sus cuadros de multitud de objetos y de símbolos, «Julio Cortázar decía que el mundo no existía, sino que había que inventarlo. Y esa es la razón de ser que yo le veo a la pintura, que está para cubrir la parte onírica que no tenemos en la vida diaria».

Estudió en Bellas Artes en Sevilla donde dice hay, «muy ambiente para pintar», y dice que su pintura tiene influencias del Bosco. « Yo me indentifico más con el movimiento surrealista, aunque también voy muy en la onda de Guillermo Pérez Villalta que tiene un mundo muy arquitectónico donde hay lugares imaginarios». A Arrebola le interesa que sus cuadros casi sean una escenografía, aún partiendo de la realidad.

Dice sentirse afortunado porque está dentro de una escuela, «que aún está por definir, pero ahora hay en la pintura andaluza de mi generación un auge de la pintura figurativa».

Desde que terminó Bellas Artes tenía claro que se quería dedicar tan sólo a pintar, «el mercado necesita gente que no tenga miedo a invertir en pintura, porque al principio, aunque te resulte un poco caro, luego está regalándote cosas. Es algo que está siempre transmitiendo».

No tiene pánico ante el lienzo blanco, «lo tengo todo muy calculado. Lo necesito, casi al milímetro, hago cuadernos de bocetos y sé lo que quiero contar», por lo que casi nunca rechaza un cuadro. Estas escenificaciones oníricas de Arrebola están inspiradas en la literatura, el arte y el cine, «en la vida misma, donde siempre se encuentra algo», afirma el artista.

MARTA CARRASCO, ABC CULTURA, 27/11/10

EL CUARTO DE LAS MARAVILLAS

2010-11-05T20:00:00.006+01:00

El Paisaje del Conocimiento.
El tiempo persiguiendo al Hombre que trata de agarrar por los pelos a la Ocasión

Óleo sobre lienzo

73 x 100 cm

El coral de la Medusa decapitada

Óleo sobre tabla

70 x 70 cm

Planetario autómata

Óleo sobre tabla

97 x 130 cm

Metamorfosis enmascarada

Óleo sobre tabla entelada

60 x 81cm

La lección de dibujo

Óleo sobre tela

60 x 81 cm

Invernadero místico.

Óleo sobre lienzo.

73 x 100 cm

Soberbia

Óleo sobre tabla

38 x 46 cm

Ira

Óleo sobre tabla

38 x 46 cm

Pereza

Óleo sobre lienzo

50 x 50 cm

Lujuria

Óleo sobre tabla

27 x 41 cm

Gula

Óleo sobre lienzo

50 x 50 cm

Envidia

Óleo sobre tabla

43 x 31 cm

Avaricia

Óleo sobre tabla

30 x 60 cm

La expulsión del Paraíso

Óleo sobre tabla

41 x 27 cm

Zoohíbrido

Óleo sobre tabla

100 x 100 cm

Proyección sumergida

Óleo sobre tabla

40 x 40 cm

Carpintería

Óleo sobre tabla

40 x 40 cm

Salto

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Marioneta de ballena movida por titiriteros

Grafito sobre papel

23 x 31 cm

Hombre proyector

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Cetáceo-isla

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Juegos de la infancia

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Conversación invertida

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Caronte y Calvario

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Bautismo

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Centauro

Grafito sobre papel

20 x 29 cm

Fabricando a Orión

Grafito sobre papel

18 x 32 cm

Quimera

Grafito sobre papel

21 x 23 cm

UN ESPACIO PERSONAL DE LOS MITOS

Una cosa que bien sabían, aprendieron a dominar y pusieron de relieve los surrealistas fue que un mito dominante es susceptible de ser afectado por todas sus variantes posibles, de la misma manera que cualquier postura consciente que podemos adoptar se permuta en las fantasías del inconsciente. Lo mismo ocurre con el cultivo de la pintura por parte de l pintor Simón Arrebola que sin duda parece obedecer a un ejercicio de reflexión íntimo, de sí mismo en relación con el mundo, producto de un esfuerzo por entenderlo, pero también, en su caso, mediante el arte, de inventarlo. Ahora centrado en las estelas y el potencial creativo que contienen los mitos, algo recurrente y tan viejo como la misma humanidad.

En una anterior etapa abundaba Simón en escenarios sombríos y temas biográficos de hermético joven pintor, entonces centrándose en escenas que narraban historias complejas y cruzadas. Hechos en la encrucijada entre pasado, el presente y el futuro, plasmados con una gran capacidad visual e intención narrativa. En realidad no sabemos nuestra propia vida y hemos de aprenderla, quizás por ello sea necesaria, para proyectarnos en ella, la misma pintura; como es necesaria la literatura: lo que implica interpretar las conductas y visionar tanto el mundo como a nosotros mismos; de ahí el interés también de las posibilidades de fabulación que contienen las estructuras de los mitos con sus poliédrico y proteico mundo de metamorfosis y conversiones. Sin duda necesariamente un mundo nada literal y explícito, mucho más allá de su representación posible.

Más que cuadros las obras de Simón son escenificaciones, en donde se configuran intenciones y se constatan paradojas, con un desarrollo de la imaginación y la energía creadora cifrada en el análisis formalista. La geometría al igual que en otros magos de la pintura figurativa actual, resulta en él algo fundamental, que en su obras se hace evidente o subyace en composiciones y formas. Orden y virtualidad son dos de sus claves que le hacen ser moderno: con valores que no desdeñan lo clásico, sino todo lo contrario, es adoptado como un rasgo moderno más allá de la objetividad naturalista. Un código, el del lenguaje de referencia clasicista, en el que el artista se maneja bien y en el que se siente cómodo, a la vez que le sirve para configurar inventos y personajes. En este sentido, Simón parece querer posicionarse como heredero voluntario de aquel rescate formal que supuso el periodo de Retour à l´ordre y que puso a régimen los excesos de las primeras vanguardias del siglo XX. Al mismo tiempo que se inscribe, como pintor, en la herencia de los pintores neoplatónicos, idealistas, y más allá de eso: alquímicos; siendo consciente de las tentaciones estilistas y de las posibles caídas frikis, a las que tan propensas son algunas producciones estéticas de subculturas vinculadas a los juegos de rol. Especialmente las relacionadas con cualquier saga derivada de Hesíodo, Lovecraft o Tolkien. Pero, y eso definitivamente lo salva, Simón cree también en las posibilidades del arte culto como fuente eterna de fantasías, y que el conocimiento del Gran Arte es el punto de referencia y la vinculación a partir de la cual, el artista puede encontrar la posibilidad de ejercer un papel demiúrgico, algo que, sin duda alguna, dicho así, puede sonar hoy en día políticamente incorrecto, pero, que al fin y al cabo, de una u otra manera, resulta ser origen y parte también del proceso en toda creación desacomplejada y sincera, no cínica y cabal.

En relación con algunas claves de lenguaje formal vigentes aún en la figuración moderna de las últimas décadas del pasado siglo, que también que podemos rastrear en muchos artistas actuales, por poner un ejemplo paradigmático de la emergencia de cierto formalismo, por excelencia moderno y reductor, recordemos que el mismo David Hockney dejo su Bradfort natal por California: un dato puntual que marca una etapa de despegue de los Young Contemporaries de los sesenta, a la que sigue otra en la que abandona la influencia de los pintores abstractos norteamericanos para regresar definitivamente a la figura humana. Un hecho que sin duda enlaza y reconcilia dos tradiciones: la académica del naturalismo y la nueva tradición moderna, incorporadas en temas y argumentos inmediatos, familiares, intranscendentes, sexuales, preciosistas y siempre biográficos. Surgía así la naturalidad como el primer y único argumento en la figuración contemporánea, de gran influencia en toda la pintura posterior. Esta será un factor decisivo en la configuración plástica de un tipo de figuración que cultiva Simón Arrebola como pintor.

Pero, la vida como un argumento literario siempre tiene trazas: líneas de actuaciones y trazos: esquemas que hay que saber elegir, seleccionar efectivamente. Jung observó que todo lo que suprimimos de nosotros se reúne en el inconsciente y proyecta una sombra sobre el mundo. No obstante aunque nos encerremos en nuestro universo vemos como su realidad literal está continuamente remitologizada, un hecho que ha puesto en evidencia en su magnífico ensayo Patrick Harpur sobre la naturaleza daimónica.

Por otro lado, resulta de lo más revelador en la mayoría de la biografías de artistas, en especial los visuales, un hecho bastante común: la inicial afinidad de estos hacia un tipo de pintura imaginativa, una pintura de contenidos más o menos sublimes, de contenidos fantásticos y sugerentes como punto de partida, en los cuales poder aprender en definitiva. En realidad son momentos germinales en los que se confirma cierta atracción hacia una capacidad artificial, por configurar mundos imaginativos, sin duda fascinantes e inciertos, pero verídicos en su mismo magnetismo inicial, libre de prejuicios. Ese es uno de los momentos de descubrimiento y, de hecho, un primer momento de acercamiento al mundo de las posibilidades creativas de la pintura: la posibilidad de crear posible mundos propios, en donde se proyecta el mundo personal. No otra cosa es el arte en origen en cada artista-pintor.

En el caso de Simón el punto de partida se organiza, según sus mismas palabras, a partir de una inquietud, del deseo, de la necesidad de transmitir. Para ello parte de imantaciones hacia figuras, objetos o símbolos. Se trata en todo caso, de voluntarias complicidades con un posible espectador, desde el mismo origen de la génesis del cuadro que, a su vez puede estar motivado por un hallazgo, una experiencia o revelación, como partes de algún tipo de emoción o recuerdo extraído de la memoria personal, de la naturaleza, el cine, la televisión, etc. como partes múltiformes del inmenso gabinete de historia natural o cámara de las maravilla que es el mundo.

Pero el espacio de la imaginación se entrecruza lógicamente con los sedimentos de la memoria, en un espacio psíquico que hay que explorar, conocer sus posibles lenguajes exclusivos y poseer los mecanismos que aportan los procesos de creación. Simón sabe sumar y añadir, restar y deconstruir, diseñar, ausentar y hacer presente figuras, inventar arquitecturas, escenografías, monumentos, interiores y exteriores, naturalezas y artificios. Fabular y describir. Al igual que ocurre en las obras de su admirado Hieronymus Bosch, son acciones todas ellas que tienen su paralelo con los procesos metafóricos de la vieja alquimia, por otra parte tan unida a los procesos de la psique. Precisamente, de ese mismo espacio: el de la mente creativa, teatral, en lo que tiene de volcarse hacia el exterior, y revelador en muchas de las propuestas que nos ofrece Simón, emana tanto lo apolíneo como lo monstruoso, lo hibrido o lo paradójico, lo incómodo y lo placentero, lo grave y lo frívolo, lo amoral y virtuoso, lo fino y lo grotesco, lo oscuro y lo luminoso. Dualidades que no son otra cosa, en definitiva, que el mundo poliédrico y proteico de la fantasía; descubiertos con sorpresa y confirmados en los relatos de los mitos. De modo que en cada uno de ellos podemos entrever, a parte de su estructura y sus abiertos o explícitos contenidos, una buena parte del lenguaje esencial y metafórico de lo artístico.

En resumen, el arte de Simón no es para ciegos, sino para gente que dispone de un fondo cultivado y guardado secretamente en el espacio de su Psique: la esposa de Eros, dios del amor. Una filia universal que es necesario cultivar y extender. Su pintura ni es física ni química, sino metafórica y alquímica como hemos apuntado, pero, en su resolución inventiva, es clara y moderna, netamente configurada, explicada también mediante concienzudos dibujos realizados en cada uno de sus procesos. Su arte no traduce, inventa. En eso y en lo programático de sus propuestas, en su misma articulación, Simón supera a cualquier ilustrador capaz, por su misma pretensión de transcendencia y por su ascendencia en los linajes artísticos, que en su caso se remontan más allá de sus predilecciones por el arte cuatrocentista europeo. Con la pretensión de ser un pequeño gran teatro del mundo, el arte de Simón es autorreferencial: un arte que habla del arte. Todo ello mediante litúrgicas y rituales, actuaciones irracionales insertadas en escenografías civilizadas, de corte mediceas o hollywoodienses.

Juan Fernández Lacomba

septiembre 2010

FORO SUR 2010

2010-04-30T16:22:00.000+02:00

Son las llamadas ferias de arte periféricas: Arte Santander, Art/Salamanca, la renovada Espacio Atlántico, en Vigo, Valencia.Art y, por supuesto, Foro Sur, en Cáceres; aunque el concepto de «lo periférico» empieza a ser muy relativo, habida cuenta del importante papel que en términos culturales se viene desarrollando desde estos territorios alejados.

Militancia artística. En definitiva, estamos hablando de ferias de arte contemporáneo «pequeñas» que suelen convocar a una veintena de galerías, en ciudades medianas, con un plus -su atractivo turístico adicional-, y capaces de capitalizar por unos días la atención mediática.

Los objetivos van más allá de lo comercial, no debemos olvidar su carácter bienalístico, que sirve para que muchos empiecen a visitar arte, a contemplarlo, y para que estos muchos, con el tiempo, eduquen su gusto, «seleccionen», se planteen ser compradores, y quién sabe si deciden finalmente ser coleccionistas. Existen elementos estructurales como vemos que las identifican, pero estoy convencido de que todas han sido concebidas bajo un modelo que tiene mucho de aventura y «militancia» artísticas., y ¿qué si no es el arte?

Imágenes para el recuerdo. Diez ediciones dan para mucho, y la imagen de Foro Sur que me viene a la cabeza es en forma de experiencia de arte. En sus inicios me referí a ella como «el necesario revulsivo» que necesitaba nuestro circuito artístico para movilizarse. También recuerdo mi asombro por el magnífico plantel de galerías procedentes de Iberoamérica, feliz de la gran oportunidad que se nos ofrecía para conocerlas. Incluso algunas actividades que no eran fáciles de digerir para el gran público, como aquella cosa sobre 'Arte y Basura', comisariada por Fernando Castro, vinieron bien para «quitar telarañas», ahí es nada. Tampoco olvido una muestra en el Archivo Histórico de Cáceres que acogía una selección de fotografías de la Colección Helga de Alvear, o la edición en la que participó Monserrat Soto con una bellísima obra en el aljibe del Museo de Cáceres, o aquella otra en la que visitamos distintos edificios del Cáceres Histórico 'okupados' por artistas, como Cildo Meireles, Ignasi Aballí o José Pedro Croft. Todos los que hayan visitado Foro Sur habrán tenido alguna experiencia parecida.

MVM, MEIAC, MACE... Pero vivamos el presente, atentos a las propuestas de esta X Edición de Foro Sur, que nos traen 19 galerías. Propuestas que se amplían a los diferentes espacios expositivos de nuestra región, y que aprovecho para recordarlas, así las exposiciones 'La máquina podrida Aka la desdentada 1999-2004' y 'Suroeste. Relaciones literarias y artísticas entre Portugal y España (1890-1936)' en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) de Badajoz; la muestra 'Conceptos', articulada a partir de una selección de los Fondos pertenecientes al Museo Vostell Malpartida; o 'Jogos de Espelhos', en el MACE-Museo de Arte Contemporáneo de Elvas.

Vivir juntos, morir solos

Técnica mixta sobre papel

30 x 40 cm

EL PAPEL DEL DIBUJO II - GALERÍA ÁNGELES BAÑOS - BADAJOZ

2009-12-18T16:00:00.009+01:00

El papel del Dibujo II

Con esta exposición, la galería mantiene el planteamiento, iniciado, hace algún tiempo, sobre una decidida apuesta por la obra en papel. El propio título de la exposición, manifiesta la continuación con la celebrada hace un año. Se ha pretendido ofrecer una amplia muestra de las diversas formas de enfocar el dibujo por parte de los creadores jóvenes en la actualidad. Todos ellos, han iniciado y mantienen un compromiso de clara renovación sobre los dos elementos en eterno maridaje: el dibujo y el papel, de tal modo que, quizás, no sea excesivo hablar de un decidido resurgir de esta expresión artística, alimentada, como ya hemos apuntado, por la vitalidad y diversidad del dibujo contemporáneo. No podemos olvidar el reto permanente de cualquier galería por incrementar el coleccionismo, en nuestro caso, la conjunción de la grandeza del papel con lo asequible de su precio. En esta dirección cabe interpretar, también, nuestra defensa por la obra sobre papel. Desde esta postura, la reciente edición de la carpeta "esto no es el silencio", 16 dibujos originales de cuatro artistas extremeños: Emilio Gañán, Julián Gómez, Ruth Morán y Juan R. Fernández Molina, inspirados en los poemas de la también extremeña Ada Salas. También, en lo que se refiere a temática y lenguaje artístico, se da la más amplia diversidad:
Ruth Morán, que utilizando, lo que percibimos como "garabatos" o, si se prefiere, el hilo, la maraña o la trama, obtiene una obra armoniosa y convincente, a la vez que intimista.
Manuel A. Domínguez que, con exquisita figuración, nos propone replantearnos los valores mas arraigados acerca de la masculinidad como valor imperecedero.
Pablo Bellot, nos remite a la tradición del dibujo del cómic, cercano al trazo infantil; dibujo sencillo y línea gruesa, en el que la característica principal es la utilización del blanco y el negro.
Juan José Martín, resume distintas visiones conceptuales del mundo del dibujo, entre ellas, su sencillez frente a un mundo repleto de artificio, su poderosa capacidad evocadora, su claridad, su nobleza y su realidad. Los temas giran en torno a hechos cotidianos descontextualizados para darle una doble interpretación, cercana a la ironía política.
Juan Carlos Lázaro, aquí el fundamento del dibujo está en la sencillez y neutralidad con que se utiliza el trazo: la luz, el espacio, el gesto del lápiz, la desnudez del objeto, y sobre todo, el tono.
Santiago Talavera, primoroso justo al borde de lo edulcorado; ambiguamente ingenuo hasta el límite del kitsch; consciente con sus tanteos de lo ilustrativo, Talavera no dejará indiferentes a quienes en sesgada lectura de la modernidad aquí sólo alcancen a ver una fórmula reactiva, ensimismada para comentar el mundo visible.
Tomás Mendoza, que gusta de completar toda la superficie del papel con el trazo del dibujo. Dibujo que nos habla, sobre todo, de los mundos que giran en el imaginario del artista desde una aparente confusión, ofreciéndonos una visión de percepciones que nos invitan a profundizar en los mismos a toda velocidad.
Simón Arrebola, conecta con la tradición medieval realizando series de imágenes más que representaciones realistas. Todo vale como signo. Trata de contar una historia en la que los personajes se encuentran dispuestos por fuerzas mayores y componen figuras que ellos mismos desconocen. Se unen con otros a través de unos circuitos que se cierran y se relacionan.
Roberto Campos, su dibujo es ritmo, geometría y color, introduciendo, como en la obra que muestra en esta exposición, referencias orgánicas y figurativas en este universo geométrico. No hay adornos; la sobriedad impone su elegancia, y no existe en su obra el derroche, salvo de pulcritud y buen gusto. Así, las piezas suelen enfrentar y distinguir, el choque entre espacio exterior (publico) - espacio interior (privado).
Marcel Bohumil, que sustituye, en una representación, que se vale de ecos, lo obvio por el detalle, en una unión de significados y significantes, con la alta y baja cultura cortadas éstas por el mismo patrón, Pensemos que en la no utilización de la palabra como gesto gráfico, se pasa al dibujo, lo que generalmente no se anota, lo que no tiene importancia, lo trivial, lo evidente, lo ordinario o lo infraordinario; lo que permite al ruido de fondo portarse como protagonista.
Juan R. Fernández Molina, paisajes interiorizados, mostrados desde el silencio, renunciando a la descripción del detalle, sustituyendo el sonido por el eco. Pinturas que hablan de un lenguaje sobrio, de forma y medida, de la dirección y el efecto de un viento que es el de la pintura.
Javier Roz, nos ofrece "Exilio", un políptico de cinco piezas, dibujadas con lápiz, tinta, acuarela y pastel sobre ...fotografías positivadas en papel de acuarela, lo que permite la fusión de ambas técnicas en una sola. Cinco manos deletrean en lenguaje gestual la palabra exilio, sobre ellas, dibujadas, diversas imágenes asociadas al mismo, así como grafísmos y textos alusivos.

Medusa y Perseo

Grafito sobre papel

25x 33 cm

Olivo de viento y Olivo de cuerda

Grafito sobre papel

25x 33 cm

Surtidor

Grafito sobre papel

25x 33 cm

Coral

Grafito sobre papel

25x 33 cm

Exploradores 01

Grafito sobre papel

26, 5 x 33 cm

Exploradores 02

Grafito sobre papel

26, 5 x 33 cm

El coral de Medusa decapitada

2009-12-18T10:57:00.007+01:00

DOS ROMBOS

2009-10-29T19:57:00.001+01:00

Treintaiocho autores, un formato, cincuenta por cincuenta, y una cita, con el erotismo. Ése es el punto de partida de la muestra Dos rombos inaugurada ayer, en el espacio La bañera de Sevilla y que seguirá abierta hasta el 20-N, fecha cuya huella sigue aún fresca (fue el día que murió Franco, ¿hay quien no lo recuerde?).

Alejandro Botubol e Ismael Lagares, socios en la creación del taller y espacio creativo La Bañera han sido los impulsores de la iniciativa y electores del tema. “El erotismo pone mucho a los artistas –nos explicó Botubol, mientras atendía a las visitas- y, hablando con galeristas, nos dimos cuenta de que hacía años que no se abordaba en Sevilla. Así que formulamos la propuesta a un grupo de compañeros y la verdad es que se han sumado con mucha energía, entusiasmo y disciplina, lo más difícil en los artistas, aceptando muy bien hasta la limitación del formato, en su mayoría”.

En efecto, apenas cinco o seis se han insubordinado al límite de la medida. El resto, la ha asumido, aunque sea jugando con el marco y utilizando como soporte uno más pequeño. Es el caso de la tabla de reminiscencias novecentistas en la que se representa un coche de principios de siglo, aparcado en una playa, casi una miniatura de las mediterráneas enormemente retratadas por Sorolla, sólo que reinterpretada, con el cielo invadido de globos infantiles y una protagonista desnuda, de espaldas, acodada en la ventanilla del coche, casi como La muchacha en la Ventana de Dali, sólo que más descarada.

También referencias dalinianas se encuentran en la propuesta del propio Botubol, a la que él llama “zapatitos rojos” y que reproduce una mujer fragmentada, todo piernas y pies, ella, en uno de esos escenarios desérticos tan particulares del autor de Cadaqués.

Guiños al puntillismo, referencias al cómic o los storyboards de cine, arte más abstracto o más figurativo, coexisten en el gran mosaico (por su disposición, más bien friso) de esta muestra donde el erotismo está representado sobre todo en su versión lésbica u onanista femenina. Apenas el retrato de un beso hetero, o la reproducción de un pene, con sus escrotos compañeros, rompen la tendencia de ninfas que huyen y se encuentran, mujeres, recostadas, satisfechas, o coños separados de ellas, autosuficientes, casi meras figuras geométricas.

El banquete
Grafito y sanguina sobre papel
50 x 50 cm

http://www.abcdesevilla.es/20091110/cultura-cultura/intrigaba-vision-erotismo-artistas-20091110.html

http://www.tertuliaandaluza.com/cultura/artes-plasticas/resena-exposicion-dos-rombos/

http://www.tertuliaandaluza.com/cultura/artistas-emergentes/espacio-creativo-la-banera-sevilla/

http://periodistafreelance.wordpress.com/2009/10/30/dos-rombos-el-eterno-retorno-del-arte-erotico/

Presencia, vacío y estructura

2009-09-08T23:08:00.026+02:00

Premio de Pintura Focus-Abengoa 2008

2008-09-30T12:18:00.001+02:00

La Fundación Focus-Abengoa ha anunciado hoy el fallo de la vigésimo quinta edición del premio de Pintura Focus-Abengoa a favor de Dis-Berlín por su obra Circuito de inspiración (162 por 195 centímetros; acrílico y óleo sobre lienzo). El jurado ha acordado distinguir además la obra de Simón Arrebola, Fons Vital (195 por 195 centímetros; acrílico y óleo sobre lienzo), y la de Marina Rodríguez, Psicoideo. Máscara (185 por 185 centímetros; papel montado sobre melanina blanca y metacrilato), con sendos accésit.
Un año más, el jurado, presidido por Anabel Morillo, directora general de la Fundación Focus-Abengoa, se ha enfrentado a la difícil tarea de escoger, entre más de 438 obras presentadas, de las que 77 eran de artistas extranjeros, aquellas que consideran merecedoras de este Premio. Los especialistas responsables de esta selección en la convocatoria del año 2008 han sido Jaime Brihuega, Juan Carrete Parrondo, Juan Fernández Lacomba, Alfonso E. Pérez Sánchez, Guillermo Pérez Villalta y Manuel Sánchez Arcenegui.
El premio de Pintura Focus-Abengoa, de tema y técnica libre, está dotado con 36.000 euros, repartidos en un primer premio de 24.000 euros, que recibirá Dis-Berlín, y dos accésit de 6.000 euros cada uno, que recogerán Simón Arrebola y Marina Rodríguez. Las obras de los tres galardonados pasarán a formar parte de los fondos de la Colección Focus-Abengoa de pintura y obra gráfica.
El jurado ha destacado “la capacidad para relacionar lo ornamental con lo simbólico, sintetizando, al mismo tiempo, todos los registros y motivos de su mundo personal” de la obra Circuito de inspiración, de Dis-Berlín. De Fons Vitae, de Simón Arrebola, ha subrayado “el fecundo mundo sugestivo y la gran capacidad de representación, amplitud simbólica y narración personal”. La obra de Marina Rodríguez, Psicoideo. Máscara, ha gustado al jurado por “su inventiva emblemática e iconografía, y fusión intercultural basada en el mundo alquímico y simbólico”.
La inauguración de la muestra con las obras finalistas y premiadas será el lunes 15 de septiembre en el Hospital de los Venerables en Sevilla, sede de la Fundación, donde permanecerán expuestas hasta el próximo viernes 24 de octubre.
El Premio de Pintura Focus-Abengoa, de larga tradición y reconocido prestigio, se convoca desde hace más de veinte y cinco años, y se ha configurado como uno de los primeros galardones europeos y americanos dentro del mundo de las artes. Este premio internacional permite a la Fundación renovar su compromiso con el arte contemporáneo y con las inquietudes y afanes de sus creadores, contribuyendo a generar un intercambio de experiencias artísticas más allá de nuestra fronteras. Tal y como se ha venido demostrando en los últimos años, la participación en este premio refuerza el valor de las obras de pintores reconocidos y abre nuevos caminos a jóvenes valores, que necesitan el apoyo, tanto económico como social, en su carrera hacia la profesionalización.
Desde sus inicios, la Fundación Focus-Abengoa ha dado claras muestras de su interés por todas las actividades culturales, no sólo de aquéllas ligadas directamente a la ciudad de Sevilla, sino de todas las manifestaciones artísticas, literarias y científicas, tanto a nivel nacional como internacional
Creada por Abengoa en el año de 1982, la Fundación Focus-Abengoa tiene como misión llevar a la práctica la política de acción social de Abengoa, que ejerce sin ánimo de lucro con fines de interés general, y enfoca hacia una labor asistencial, educativa, cultural, científica, de investigación y desarrollo tecnológico. La Fundación se ha convertido en un valioso instrumento inserto en la cultura de Abengoa. No sólo es capaz de atender al desarrollo profesional y humano de sus empleados, sino también, de conectar con las nuevas sensibilidades de la sociedad en su conjunto, gestionando, en suma, unos activos no tangibles cuyo impacto revierte y se propaga en los propios valores y fines empresariales.

PREMIADOS:

Dis-Berlín (Mariano Carrera, Soria, 1959) inició estudios de Ciencias de la Información, pero los abandonó para dedicarse a la pintura. Vinculado a la modernidad artística española contemporánea, maneja una amplia diversidad de intenciones, de materiales y de enfoques, para crear catálogos de propuestas donde se suceden los más inesperados encuentros plásticos. Comenzó a exponer a principios de los años 80. Hoy, su obra se exhibe en centros tan destacados como el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM); el Museo Artium, en Vitoria; la Galeria Guillermo de Osma, en Madrid; el Museo Centro Atlántico de Arte Moderno, en Las Palmas de Gran Canarias, y el Museo Marugame Irai, en Kagawa (Japón). Su fructífera y dilatada carrera le ha permitido exponer en más de cincuenta galerías y salas, como la Galería Palace, en Granada; la Galería Columela, en Madrid, la Sala de Exposiciones del Banco Zaragozano, en Zaragoza; la Galería Dense Levy, en Barcelona; la Galería My Name’s Lolita Art, en Valencia; la Galería Siboney, en Santander, y el Centro Cultural Conde Duque, en Madrid.

Circuito de Inspiración

Dis Berlín

Simón Arrebola Parras (Torredelcampo, Jaén, 1979) es licenciado en Bellas Artes, especialidad de Pintura y de Grabado y Diseño, por la Universidad de Sevilla. Pese a su juventud, su obra ya ha formado parte de numerosas muestras, entre las que cabe destacar, la exposición colectiva Geografías del agua. Del inconsciente estático a la mirada líquida, en Antequera (Málaga); la exposición Becas Talens 2003, del Fondo Talens de Arte Joven, en Barcelona; la exposición con el Grupo Manglar en el Baluarte de la Candelaria de Cádiz, y la exposición en el Palacio Quintanar de Segovia. Este joven sevillano ha recibido el premio fin de carrera y el premio Real Maestranza de Sevilla por contar con el mejor expediente de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla en la promoción 1997-2002.

Fons Vitae

Simón Arrebola

Marina Rodríguez Vargas (Granada, 1980) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en salas tan reconocidas como el Centro de Arte de Sevilla, el Museo de Arte Contemporáneo de Álava, el Museo de la Ciudad y el Círculo de Bellas Artes, ambos en Madrid. Actualmente, expone su obra fuera de España, en la Galería Constantini, en Milán; en la Galería Lyle Oreitzel, en Miami, y en la Galería Gabriel Elizondo, en México. Asimismo, su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, como la colección del Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Artium), la colección de Caja Extremadura, la colección de la Fundación Gregorio Prieto y de la Fundación Antonio Gala, así como de la colección de Caja Granada.

Psicoideo. Máscara

Marina Rodríguez

FONS VITAE

2008-09-29T13:30:00.000+02:00

PROCESO DE TRABAJO

2008-09-28T11:58:00.000+02:00

- ESTÍMULO: el despertar de la Inquietud, el Deseo, Necesidad de transmitir.

o Fuentes:

§ Experiencia personal y cercana
§ Vivencia real u onírica
§ Catársis – Experiencia estética en la Naturaleza, en alguna manifestación artística o en un hecho.

- ÍMPETU, ENTUSIASMO, MOTIVACIÓN

- POSESIÓN recíproca del creador y de la idea.

- Necesidad de PERDURACIÓN en el TIEMPO: Arte para la Posteridad.

- MATERIALIZACIÓN de la idea:

o APUNTE:

§ Composición
§ Interrelación y Conexión de las figuras
§ Narración –Storyboard- : ¿Qué quiero contar?
§ Búsqueda de las Metáforas y Símbolos (Pistas, refuerzos y metamorfosis con las figuras que las acompañan):

· Codificados universalmente.
· Inventados.

o CENSO de Imágenes. Procedencia:

§ Figuras, Objetos-símbolos:
· Álbum Familiar
· Naturaleza
· Cine, Televisión, Música, Publicidad
· Mundo Onírico

(Al principio la trascripción de esas imágenes era muy literal. Al día de hoy, son el punto de arranque para interpretarlas y crear un mundo con personajes y vivencias personales).

o BOCETO :
Concebido como obra final. Una vez seleccionados los individuos que habitarán ese paisaje mental

§ Escenificar: Una vez seleccionadas las figuras que habitaran dicho paisaje mental las suspendo sobre el papel en grupos de diálogo.

§ Mapa de Constelaciones: Composición final en la que aparece la escena mental originaria materializada en dibujo con todos los personajes distribuidos e interrelacionados. Es una imagen digital que traspaso al formato. Anteriormente la traspasaba a través de serigrafía.

§ Boceto a color aproximativo: Recopila las imágenes censadas en formato digital a modo de collage. Simplemente es una referencia porque la procedencia es múltiple y no armonizan en color, ni luz ni forma.

o CUADRO :

§ Pintar: Elección del soporte adecuado a la idea y proporciones originales.
§ Preparación del soporte
§ Líneas de composición
§ Mancha general aproximada al boceto de color digital y a la imagen mental que tengo del cuadro.
§ Traspaso del dibujo: Líneas compositivas que refuerzan la idea y las principales líneas de contorno de las figuras.
§ Se produce un reajuste y variación de la mancha original que utilizo para enriquecer el soporte a modo de textura pictórica.
§ Pintar parceladamente cambiando el calibre de pincel

o OBRA FINAL

o INSERCCIÓN

Boceto para Encuentro de Soledades

Grafito sobre papel

26,5 x 33 cm

Encuentro de Soledades

Acrílico sobre tabla entelada

54 x 65 cm

FONS VITAE

2008-09-27T00:11:00.000+02:00

La fuente de la Vida

Agua:

- Purificarse
- Retornar a los orígenes
- Regeneración
- Mujer, luna, inmortalidad

Baño:

- Rito de purificación, Baño de la Divinidad y del Fiel

Árbol:

- Vertical
- Ciclo de la naturaleza

El Cantar de los Cantares

El Paraíso Perdido

Prometeo: Osadía, Perfección

Placeres terrenales:

- El canto
- La música
- La conversación
- La danza

Recogida de fruta

Gente desnudándose para bañarse en la fuente para rejuvenecer

Liebre

Manzano

Higuera

Granado

Olivo

Árbol con escalera y alguien cogiendo una rama

Árbol naciendo del vientre de Adán

Animales simbólicos de la Vanidad del Amor:

- Faisán, halcón, caballo, abeja, paloma, ciervo herido, águila, perdiz, armiño, lince, liebre, ...

Bosque de hombres que de su vientre salen árboles: Frutos y animales vinculados al amor, tocando instrumentos.

Niño en primer plano con ramas en la cabeza

Gente en corro alrededor del Árbol de la Vida

Bocetos para La Fuente de la Vida

Grafito sobre papel

26,5 x 33 cm

Boceto compositivo para La Fuente de la Vida

Imagen digital
Medidas variables

Boceto aproximativo para el paisaje de fondo de La Fuente de la Vida
Imagen digital
Medidas variables

FOEDERIS ARCHA

2008-09-25T21:55:00.000+02:00

Arca de la Alianza

Contenía recuerdos:

- Tablas de la ley
- Urna del Maná
- Vara de Aarón

Identidad

Narciso

Punto de partida

No perder el horizonte

Reflejo en signos que me rodean

Hallazgo de esos signos que me identifican

Encuentro y reencuentro

Persecución

Saber escuchar voces

Identidad en colectividad

Salida, el umbral que asoma al otro lado, a lo que uno le gustaría ser

Constelaciones: La identidad pertenece a un dibujo o a una estructura mayor que nos conecta a otros.

Constelaciones:
- Saltador
- Madre, Origen, Agua
- Recuerdo (un juglar que canta a lo vivido)
- Valor
- Encuentro
- Miedo

Bocetos para Foederis Arca

Grafito sobre papel
26,5 x 33 cm

Boceto compositivo para Foederis Arca
Imagen digital

Medidas variables

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0

0

EL PAISAJE COMO MCGUFFIN

2008-09-23T15:35:00.000+02:00

Enrique Marty con sus alumnos en el taller El Paisaje como mcguffin

Paisaje como mcguffin (o cómo librarse del aburrimiento en el arte): “Planteando los problemas narrativos en la representación y recurriendo a la utilización de la pintura, dibujo, fotografía etc. como una excusa, no como un logro final. Partiendo de un tema, como puede ser el paisaje, se tomará como un punto de partida para llegar a un trabajo final totalmente distinto en el que se tenga como elemento primordial la relación entre el artista y el espectador en contra de la idea del artista que hace su obra para él mismo. El arte como una forma de comunicación orgánica y sensual”.

Enrique Marty (Salamanca, 1969). Artista multidisciplinar, utiliza la pintura, la escultura, la fotografía, el vídeo o la performance, en un trabajo que no deja indiferente. Ha expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en el MUSAC de León, en el PS 1 del MOMA de Nueva York, en los Museos de Arte Contemporáneo de Oaxaca y Querétaro en México o en la sala Verónicas-EAV de Murcia. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo Marugame Hirai de Japón, el MUSAC de León, la Fundación Marcelino Botín de Santander, la Junta de Castilla-León, el INJUVE de Madrid o las colecciones Unicaja y Caja Burgos. Marty muestra una realidad alterada e inquietante, un espejo deformado que escupe –en palabras de David Barro- rostros que son los nuestros sin maquillar, o mejor, maquillados hasta un lujurioso exceso

Joan Fontcubierta con sus alumnos en el curso paralelo Naturaleza Virtual

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mcguffin 01
Accidente de coche. Las personas salen despedidas del coche perdiendo su calzado.

mcguffin 02
el odio

mcguffin 02

el odio

mcguffin 03

el amor

mcguffin 03
el amor

Carteles

2008-03-11T22:36:00.000+01:00

SCALA COELI

2008-03-09T13:48:00.000+01:00

Escalera del cielo

El Paraíso y el proceso para llegar a él

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Etapas

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Alcanzar la iluminación

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Dificultad

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Juego

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Desdoblamiento

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Consciencia del entorno

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Bosque de árboles frutales

Jardín de las Delicias

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Pájaros en la cabeza

Ilusiones

Aspiraciones

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Sentirse visionario

"104

La vida, como un comentario de otra cosa que no alcanzamos, y que, está ahí al alcance del salto que no damos.La vida, un ballet sobre un tema histórico, una historia sobre un hecho vivido, un hecho vivido sobre un hecho real.La vida, fotografía del número, posesión en las tinieblas (¿mujer, monstruo?), la vida, proxeneta de la muerte, espléndida baraja, tarot de claves olvidadas que unas manos gotosas rebajan a un triste solitario.0

(Texto tomado del capítulo 104 del libro Rayuela de Julio Cortázar)

Bocetos para Scala Coeli

Grafito sobre papel

26,5 x 33 cm

Boceto compositivo para Scala Coeli

Imagen digital

Medidas variables

Boceto aproximativo en color de Scala Coeli

Imagen digital

Medidas variables

Scala Coeli

Técnica mixta sobre tabla

130 x 97 cm

CIVITAS DEI

2008-03-08T12:13:00.000+01:00

La ciudad de Dios

Espacios-Signos para que mi ciudad empiece a existir:
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Plaza
Fuente
Veladores
Jardín
Montaña
Iglesia
Capilla
Patio con arquerías
Auditorio
Calle
Dispensario

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Personas con destinos que se cruzan: Los encuentros.
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Tome algunas notas de “Las Ciudades Invisibles” de Italo Calvino:
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-... “la memoria es redundante, repite los signos para que la ciudad empiece a existir” ...
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-... ¿Tú viaje trascurre sólo en el pasado?...
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-... el pasado del viajero cambia según el itinerario cumplido...

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-... al llegar a cada nueva ciudad el viajero encuentra un pasado suyo que ya no sabía que tenía: la extrañeza de lo que no eres o no posees más, te espera al paso en los lugares extraños y no poseídos...
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- ...Marco entra en una ciudad: ve alguien que vive en una plaza una vida o un instante que podrían ser suyos; ...
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-... Todo habitante de Eudoxia confronta con el orden inmóvil del tapiz una imagen de la ciudad, una angustia que son suyas y cada uno puede encontrar escondida entre los arabescos una respuesta, el relato de su vida, las vueltas del destino ...
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- ... “Llega un momento de la vida en que de la gente que uno ha conocido son más los muertos que los vivos. y la gente se niega a aceptar otras fisionomías, otras expresiones: en todas las caras nuevas que encuentra, imprime los viejos calcos, para cada una encuentra una máscara que se le adapta mejor”. ...
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- ... “Tal vez Adelma sea la ciudad a la que uno llega al morir y donde cada uno encuentra a las personas que ha conocido. Es señal de que también yo estoy muerto” ...

Bocetos para Civitas Dei

Grafito sobre papel

26,5 x 33 cm

Boceto compositivo para Civitas Dei
Imagen digital
Medidas variables
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Civitas Dei

0 Técnica mixta sobre tabla

0 85 x 170 cm

HORTUS CONCLUSUS

2008-03-07T11:57:00.000+01:00

El jardín cerrado

Espacio sombrío y misterioso.

Personajes que aparecen y desparecen. Un efecto parecido a introducirse en una habitación oscura hasta que la vista comienza a dislumbrar las formas que emergen sinuosamente entre la oscuridad

Reducción de las gamas de colores.

Los personajes desprenderán una luz semejante al modo de filmación nocturna.

Lo que se encierra en este jardín es la personalidad y la identidad. En continuo crecimiento, evolución y transformación por eso la metáfora con el mundo vegetal regado por el agua de la vida. Los personajes son tomados del álbum familiar de cuando era pequeño.

Aparecerán gente disfrutando en ese espacio y saboreando los frutos de la madurez de ese mundo vegetal.

Se trata de un espacio para la protección de la identidad, del saber quién eres y hacia dónde se va.

Bocetos para Hortus Conclusus

Grafito sobre papel

26,5 x 33 cm

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Boceto compositivo para Hortus Conclusus

Imagen digital

Medidas variables

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Hortus Conclusus
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Pintura y serigrafía
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100 x 100 cm

Jardín secreto

Pintura y serigrafía

30 x 30 cm

ESTANCIAS

2008-03-06T20:20:00.001+01:00

Alguien persigue algo, tal vez su identidad.

Durante el camino se encuentra con objetos que identifican a ese objetivo o a la persona.

Es un fragmento de ese camino. Lo importante no es el final.

Encuentra una salida u otro espacio. Pero se da cuenta de que es una conformación temprana a su necesidad y decide seguir buscando.

Perseguir implica movimiento. La búsqueda es un movimiento lento y cauteloso, movimiento reflexivo.

Equivocaciones, ilusionistas e ilusiones ópticas de haber encontrado el fin.

El movimiento al ser reflexivo las poses son anteriores al iniciar el movimiento y que indiquen lo que va a pasar después. Movimiento sucederá en la mente. O movimientos ya realizados que indiquen lo que ya se ha hecho.

La disposición de esta búsqueda será como si fuera un relieve o un mural de ese laberinto. Juego ilusionista entre las dos dimensiones y las tres dimensiones. Búsqueda de la continuidad, esa es la razón de ser del concepto espacial como en el arte rupestre.

Búsqueda ni trágica ni triste, aunque sí difícil.

Los espejos no apuntarán hacia nadie que no sea el propio individuo. No fijarse ni tomar como modelo a seguir a nadie. Mirarse uno mismo.

Lo interesante es aventurarse y perderse, probar diferentes itinerarios. Un laberinto une dos puntos.

Opciones

Identidad

Observadores

Espacios protegidos y amurallados (representación de la identidad)

Pérdida de la naturalidad

Encantador de serpientes

Ilusiones ópticas

Ventanas

Umbrales

Luz (indicaciones por las que seguir)

Salto al agua (El riesgo)

Bosque protector (La madre)

Dibujos previos para Estancias
Grafito sobre papel
26,5 x 33 cm

Boceto compositivo para Estancias

Grafito sobre papel

70 x 100 cm

Estancias
Pintura y serigrafía
116 x 132 cm

EL DOS NO HA SIDO NUNCA UN NÚMERO

2008-03-05T19:57:00.001+01:00

El título del cuadro proviene de un poema incluído en Poeta en Nueva York de Federico García Lorca titulado "Pequeño Poema Infinito"

Equivocar el camino

es llegar a la nieve

y llegar a la nieve

es pacer durante veinte siglos las hierbas de los cementerios.

Equivocar el camino

es llegar a la mujer,

la mujer que no teme la luz,

la mujer que no teme a los gallos

y los gallos que no saben cantar sobre la nieve.

Pero si la nieve se equivoca de corazón

puede llegar el viento Austro

y como el aire no hace caso de los gemidos tendremos que pacer otra vez las hierbas de los cementerios.

Yo vi dos dolorosas espigas de cera

que enterraban un paisaje de volcanes

y vi dos niños locos que empujaban llorando las pupilas de un asesino.

Pero el dos no ha sido nunca un número

porque es una angustia y su sombra,

porque es la guitarra donde el amor se desespera,

porque es la demostración de otro infinito que no es suyo

y es las murallas del muerto

y el castigo de la nueva resurrección sin finales.

Los muertos odian el número dos,

pero el número dos adormece a las mujeres

y como la mujer teme la luz

la luz tiembla delante de los gallos

y los gallos sólo saben votar sobre la nieve

tendremos que pacer sin descanso las hierbas de los cementerios.

Desvestir

Despojar

Desnudar

Quitar

Desprender

Un dormitorio con unos espejos esquinados. Semejante a la habitación que aparece en la escena famosa de Orson Welles y Rita Hayworth “La Dama de Sangay”. Son dos parejas de personas que se desnudan en el primer plano y en los espejos del fondo se reflejan e interaccionan entre ellos.

Para el estudio de los reflejos realicé unos bocetos en tres dimensiones que fotografié en un escenario pequeño con los espejos en idéntica posición que en el cuadro final.

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Boceto en plastilina

Boceto en plastilina

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Boceto de El Dos no ha sido nunca un número

Grafito sobre papel

10 x 8 cm

El Dos no ha sido nunca un número

Pintura y Serigrafía sobre tabla

73 x 50 cm

COSMOGONÍA

2008-03-04T19:31:00.001+01:00

Trascender

Alejarse

Despojarse

Elevación

Ligereza

Refugio

Espacio personal

Autoevaulación

No representar el Paraíso sino el proceso para llegar a él.

Presencia de la divinidad como representación de ese paraíso alcanzado.

Retablo. Lugar donde se coloca a la divinidad.

Saciar sed.

Tunel oscuro.

Asomar.

Agua.

Reflejo.

Lugar con un tesoro invisible a la vista.

Cosmogonía

60 x 81 cm

Pintura y Serigrafía

PINTURA Y SERIGRAFÍA

2008-03-04T18:40:00.003+01:00

Contemplar: Del latín contemplatum, situar algo a un nivel más elevado, sacado de su contexto normal. Vinculados a los conceptos de Templo (templum: lugar separado de los demás a un nivel ontológico particular) y Contar (tempus: secuencias de instantes separados).

Muchas veces por su proximidad a nuestro entorno y nuestra personalidad en lo cotidiano y lo doméstico aparece un nuevo lugar desde donde lo observamos como algo extraño. Observándose de forma trágica aquello que debería de haber permanecido escondido.

Lo erótico con connotaciones de experiencias gozosas vividas y también con tintes melancólicos, ya que el ser humano trata a través de su experiencia erótica la recuperación de una continuidad perdida, destruyendo la estructura cerrada del ser, para alcanzar a la otra persona en lo más íntimo. Nuestra desnudez es la que revela los conductos secretos por los que alcanzamos esa continuidad y la experiencia erótica entra aquí. Un juego psicológico, innato en nuestra naturaleza humana que circunda esa continuidad, que anhelamos sin llegar del todo a ella.

Estos ingredientes son los que me han llevado a utilizar como referencias de mi entorno y familia, aludiendo a la figura materna, desnudando a esos personajes familiares. Forman una amalgama de superposiciones de figuras pintadas, serigrafiadas y silueteadas. Figuras individuales que se amontonan y dialogan pero conservando su personalidad. Variando su disposición y el sentido de su diálogo va otorgar al espectador la posibilidad de revivir sus propias historias personales en juego que exorciza sus traumas y miedos que viven en su intimidad y en su ambiente doméstico. Participando nuestra naturaleza humana discontinua que se superpone a otras diferentes en búsqueda de la continuidad.

0Sin título
Pintura y serigrafía sobre tabla
31 x 80 cm

Sin título
Pintura y serigrafía sobre tabla
31 x 80 cm

Sin título
Pintura y serigrafía sobre papel
34 x 30 cm

VOLVER A VOLVER

2008-03-01T15:00:00.001+01:00

“¡El genio no es otra cosa que

la vuelta voluntaria a la niñez!”

Henri Matisse

Durante el tiempo que el espejo articulado permaneció en el aseo a mí me gustaba meter la cabeza en medio, abrir en ángulo de noventa grados las puertas laterales y pegarlas a mis orejas. A veces apagaba y encendía la luz. Observaba la dilatación y contracción de las pupilas. Era un momento extraño. Me miraba fijamente, y al concentrarme en la mirada parecía como si me desdoblara , llegaba a cuestionarme quién era el que estaba delante. No supe contestar.

Ha pasado el tiempo y ahora me respondo diciéndome que el otro soy yo. Nació en mí la necesidad de buscarlo. Una búsqueda no surge con la conciencia de sentirse completo, sino de experimentar una carencia. Tal vez la vida consista en ese proyecto que está ahí al lado y que no alcanzamos por no dar el salto necesario para llegar hasta él. En el agua se zambullen aquellos que han saltado. Han decidido vivir auténticamente, elegir desde la libertad y son creadores de su historia, de su propio Mito. No es una meta, surge por la gente que inventamos.

A veces trato de recordar si existió un momento exacto en el que me despidiera de mis juguetes. Creo que no lo hubo. Lo que si me viene a la memoria es el ritual con el que me iba a las escaleras que dan a la azotea de mi casa. Sobre los escalones disponía los rotuladores y un papel doblado por la mitad. Aquello me llenaba de una excitación comparable a la sexual. Con tal inquietud sucedía de todo delante del papel: aventuras en las que aparecían figuras que se superponían sin tener de fondo un espacio reconocible y permaneciendo sólo el blanco del papel. Tampoco había un sentido narrativo completo. Me gustaba detenerme en el momento en el que las figuras saltaban por un precipicio y caían. En realidad se trataba de una excusa ideal para recrearme en dibujar e imaginar el movimiento de la ropa y las ondulaciones del cabello. No llegaban a topar con el suelo porque aparecía un tronco resistente al que se enganchaban e intentaban de nuevo subir hacia la cima.

La nostalgia de la unidad perdida es una gran aliada, aunque a veces surge la pregunta de por qué orientarlo todo hacia esa búsqueda del Paraíso. Fui descubriendo en mis compañeros de ruta cual era nuestro nexo de unión. La añoranza del reino perdido es lo que engrandece y hace universal a cualquier hombre porque hay una aspiración a querer ser, a convertirse en un Vector que apunta porque pretende asomarse a ese lugar lejano.

Cruzaba un arroyo por mi pueblo y mi casa se encontraba en una de las orillas. Me ensimismaba mirando aquella naturaleza. Observaba a los niños que se aventuraban a cruzarlo en los días nublados (y) de manchas de barro. Mi madre me recomendaba que no me comportara como ellos. No lo hice. Siempre doblaba un folio y sacaba los colores.
¿Cayeron finalmente las figuras flotantes de aquel espacio en blanco? ¿Qué había en las profundidades de aquel barranco?

Un bosque donde las ramas son unas madres protectoras que dan sombra y enseñan a caminar a su hijo, que se siente contenido y aspira la atmósfera cargada de misterio y sensualidad. En sus primeros pasos, el niño excitado, descubre a la diosa bañándose en un lago cristalino arropada por su séquito virginal. El muchacho es sorprendido y tiene lugar el castigo del voyeur. Es el pago por tocar tierra tras el gran salto. Le salen cuernos de la cabeza y se convierte en un animal expuesto a la cacería de sus hermanos, que no lo reconocen. El hijo se encadena al implacable don de la creación acompañado por un látigo para autoflagelarse, como dice T. Capote. En su soledad, huye para materializar a través de la memoria lo que vio. Retazos de un álbum familiar desperdigado en una gran casa. Un perpetuo recuerdo que se matiza a través de su experiencia.

La invitación al salto constituye la búsqueda de la identidad, que se encuentra plagada de signos. Hay que saber descifrarlos, leer entrelíneas. El buscador debe ser afortunado para escuchar voces donde los demás no las oyen y convertirse en un perseguidor visionario. De ahí que aparezcan puentes, puertas, espejos, umbrales, dependencias,…

Existen unos momentos mágicos en los que tienen lugar unas revelaciones excepcionales para el resto de una vida; aparecen como espejos ante las personas que se buscan. No son reflejos simétricos de uno mismo, sino como una especie de epifanías que van marcando la vida. Sucedió en una convivencia parroquial que tuvo lugar en un olivar alejado del pueblo. Era un grupo reducido de personas que se dedicaban a preparar las liturgias de las misas. El sacerdote nos dio una reflexión para el día. Trataba sobre la ceguera. Era la historia de un pececito que nadaba en las profundidades del mar y le preguntaba a un pez grande dónde se encontraba el océano. El gran pez se quedó perplejo y le respondió que el océano era la misma agua por donde estaba nadando, que dejase de buscarlo.
Fue descubrir la segunda lectura de las cosas que te rodean, convertir en signo lo cotidiano. Desde entonces conviví con una realidad plagada de anuncios reveladores y decidí comunicarme a través de ellos.

El origen de mis personajes se encuentra en la memoria que va matizándose con la experiencia del tiempo actual. Los instantes vividos tienen su razón de ser y es el tiempo el que revela su significado simbólico. Conecto con la tradición medieval realizando series de imágenes más que representaciones realistas. Todo vale como signo. Trato de contar una historia en la que los personajes se encuentran dispuestos por fuerzas mayores y componen figuras que ellos mismos desconocen. Se unen con otros a través de unos circuitos que se cierran y se relacionan. Cuando se conocen aparece una especie de constelación, al igual que sucede en Rayuela, donde existe entre los personajes y la propia estructura de la novela unos vectores que van configurando ese dibujo. Subyace de fondo también, la teoría de la naturaleza humana y el erotismo de George Bataille, quien considera al hombre como un ser discontinuo que persigue la continuidad. De ahí que las figuras se conecten entre ellas porque buscan su razón de ser a través del otro.
Esas conexiones se producen en lugares mágicos, son espacios para el reencuentro y la comunicación. Cada figura corresponde a momentos que me llevan a ese paisaje donde habita el recuerdo. Su expresión me llevó a dividir las composiciones en sectores como los Mandalas que narran las etapas espirituales.
En la disposición de las figuras permanece el retorno al mundo en el que siendo pequeño me desarrollé. Esa superposición contiene ahora la necesidad de meterlo todo en la historia que cuento, como decía Virginia Wolf de sus novelas.

Sucedió en la clase mientras tiraba un boomerang. ¡Qué simbólico para hablar del arte representativo! Representar: Volver a presentar. La acción de lanzarlo regresa hacia a él. Volver a volver. Las situaciones pueden tener dos sentidos: el inmediato, que te puede parecer absurdo y falso; y el mediato, que se convierte en una revelación. A menudo se siente con algunas personas que determinados hechos encarnan lo que a uno le gustaría ser. Tal vez porque han dado el salto y hablan desde el otro lado. Me sucedió con él. En una ocasión me contó una bella metáfora que se relaciona con nuestros destinos individuales y su pertenencia a una constelación poderosa que es la que envía la fuerza. Me ejemplificó las ocasiones en la que se pasea por un espacio abierto y desahogado de gente, y a pesar de mirar de frente a una persona, se permanece en la dirección tomada y por muy poco no se topa con ella. O veces en que tiene lugar un titubeo porque ambas personas deciden marchar en el mismo sentido y hasta que no se para una, la otra no toma la dirección. A partir de estos hechos me dijo que en el universo, las energías tienden volver a encontrarse. Esa tendencia es la fuerza de arranque de nuestra nostalgia original.

En ese recuerdo se producen también unas deformaciones. Por un lado las imágenes mentales se vuelven sintéticas en formas y colores. Retenemos lo que nos llama la atención por diversos motivos. Y por otra parte, recordamos algunas veces cómo lo vivimos o cómo nos gustaría que se hubiera vivido, entrando en juego el concepto de la Verdad. Una verdad personal que canta a lo que se pierde o a lo que se quiere. Mis figuras nacen, por tanto, de esas dos fuentes del recuerdo: del Verdadero, materializado en un tiempo concreto a través de la fotografía y del Memorial mental, que se deforma llegando las figuras a perder su carácter al convertirse en siluetas recortadas.

El espacio en el que habitan se va volviendo cada vez más referencial pero conserva las veladuras y las superposiciones de planos espaciales como si fueran un fluido. Es como si el sentido espacial hubiera recuperado la memoria y lo recordase con mejor nitidez. Ese carácter de pérdida o recuperación de visibilidad y nitidez en las figuras a través del espacio es el que trato de materializar. Es el que imagino que se produce en nuestra mente al recordar. A través del dibujo y la serigrafía puedo anteponer y alejar los personajes. A través de veladuras y superposiciones trato de conseguir que la pintura sirva para que perviva el recuerdo que va cambiando y va descubriendo sus significados.

Simón Arrebola